ABOUT ARTIST

  • Jung-Ouk Hong
    홍정욱

    영국을 비롯한 유럽에서 실험성과 예술성을 인정받고 있는 작가 홍정욱은 고도의 예술적 기교와 과학적 탐구가 조화를 이루는 작품을 주로 선보이고 있다. 작가의 관심은 '기본(basic)'에 있다. 이때의 '기본'이란 너무도 익숙해 지나치기 쉬운 것들, 맥락에 상관없이 어딜 가도 변치 않는 것들, 눈에 보이지 않지만 존재하는 것들을 말한다.

PRESS RELEASE

co-
2011. 9. 29 (목) - 10. 29 (토)

홍정욱의 개인전 < co- >가 오는 9월 29일부터 10월 29일까지 평창동 가인갤러리에서 열립니다. 2006년 개인전 이후 국내에서 5년 만에 선보이는 이번 전시에서는 영국 유학시절, 현지는 물론 유럽의 다양한 기관에서 호평을 받은 실험적인 작품들을 비롯해, 6.3m 높이의 천장고를 활용한 벽 드로잉이 처음으로 시연되는 등 흥미롭고 다양한 작품들을 선보일 예정입니다.
홍정욱의 관심은 기본적으로 ‘기본(basic)’에 있습니다. 작가에게 그것은 거대한 우주에서 살아가는 인간에게 반드시 필요한 것들이지만 너무도 익숙해 지나치기 쉬운 것들, 맥락에 상관없이 어딜 가도 변치 않는 것들, 눈에 보이지 않지만 존재하는 것들입니다. 예컨대 인간관계의 기본이 되는 가족, 생명체가 살아 숨 쉬기 위한 공기, 지면에 붙어 생존하게 해주는 중력 등이 바로 ‘기본’인 것입니다. 그렇다면 미술 작가로서 홍정욱의 관심은 무엇일까요? 이와 같이 ‘기본’에 해당하는 것들을 조형적으로 구현해 내는데 있다고 할 수 있습니다. 즉 시각의 기본이 되는 원, 삼각형, 사각형을 통해 ‘기본’을 구현하려는 시도에서 출발한 작가의 여정은 다양한 형태 실험과 진화를 거듭하면서 유기적인 구조와 형상에 대한 탐구로 발전하게 되었고, 그 과정에서 작가가 사용하는 재료 역시 작품의 기본이 되는 캔버스의 변형에서 출발해서 옷감, 플라스틱, 와이어, 나무, 자석 등 흔하고 약한 재료들을 이용해 견고하고 강한 구조를 만들어 가는 데로 나아간 것입니다.
이러한 과정에서 자연스레 작가는 작품 내적인 요소들간의 관계와 균형은 물론 작품들 간의 연결고리에도 관심을 갖게 됩니다. 이 모든 관계는 마치 뫼비우스의 띠 처럼 서로 연결되어 있다는 것입니다. 이성적인 부분을 깊이 파고들면 감성의 울림을 표현할 수 있고, 서로 밀어내는 보색대비 안에서도 색의 균형을 발견할 수 있으며, 부드러움 안에서 차가움을, 서늘함 이면에 따사로움을 건져낼 수 있음을 작가는 말하고자 하는 것입니다. 전시제목인 ‘co-‘는 따라서, 공존하다(coexist), 협력(cooperation), 공동작업(collaboration) 등에 쓰이는 접두어이자 모든 기본이 되는 것들이 서로 연결되어 관계가 있다는 의미를 담고 있는 것입니다.
홍정욱은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 영국의 슬레이드 예술학교(Slade School of Fine Art)에서 석사를 마쳤습니다. 유학 시절인 2009년, 그는 저명한 사진작가 볼프강 틸만(Wolfgang Tilmans)과 비디오 아티스트인 사스키아 올데 볼버(Saskia Olde Wolbers) 등이 심사위원으로 참여한 불룸버그 뉴 컨템포러리스 2009 (Bloomberg New Contmporaries 2009)에서 ‘고도의 예술적 기교와 과학적인 탐구가 조화를 이루는 작품’이라는 평판을 받으며 최종 수상후보에 오른바 있으며, 2010년에는 스페인의 과슈 코란티 국제 회화상(Guasch Coranty International Painting Prize 2010)의 최종수상 후보에 오르는 등 영국을 비롯한 유럽에서 그 실험성과 예술적 가능성을 인정받은 작가로서, 이번 가인갤러리에서의 전시에 기자님들의 많은 관심 부탁드립니다. 고맙습니다.




PUBLICATIONS


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TEXT

상이한 두 축 사이의 불안정한 균형
글. 신혜영 l 미술비평

무엇이 회화를 회화이게 하는가. 모더니즘의 대표적 비평가 그린버그는 물질성과 평면성을 회화의 본질적 속성으로 꼽았다. 구체적인 형상을 재현하든 그렇지 않든 특정한 내용과 주제를 전달하든 그렇지 않든 회화라면 모름지기 캔버스와 물감을 사용해야 하며 2차원의 평면에 그려져야 한다는 것이다. 오늘날 회화의 범주 안에서 활동하는 동시대 작가 역시 여전히 이 두 가지 속성과 무관하지 않다. 다만 그러한 매체적 본성을 강령으로 삼거나 위반하는 것에 작업의 목적을 두지 않으며 매체를 기준으로 한 범주구분을 우선시하지 않을 뿐이다. 홍정욱의 작업은 회화로부터 출발하였다. 회화를 회화이게 하는 것은 무엇인가, 물질성과 평면성 둘 중 하나만을 가진 것은 회화인가 아닌가, 즉 캔버스에 물감이 칠해졌지만 평평하지 않거나 평면이지만 캔버스와 물감을 사용하지 않은 것을 회화의 범주에 넣을 수 있는가 하는 질문들의 시각적 구현이 홍정욱의 초기 작업에 해당한다. 그리고 이후 일련의 진화를 거쳐 그의 작업은 회화라는 범주구분의 의미 자체를 무화시키는 지점까지 이르렀다. 자신에 대해 질문을 던지고 그 질문에 답해가는 과정에서 자신을 뛰어넘는 바로 그 방식으로 말이다.
회화의 물질성과 평면성처럼 홍정욱의 작업 전반에는 상이한 두 개의 축이 공존하고 모든 작품은 그러한 두 축 사이의 한 지점에 놓인다. 이차함수 그래프의 x축과 y축 사이 한 좌표처럼 모든 작품은 서로 간의 관련성 하에 공존하는 두 가지 속성을 지니는 것이다. 먼저 중심이 되는 것은 형식상의 축이다. 기존 회화의 사각 프레임을 새로운 형태로 변형 제작해 캔버스 천을 씌우고 아크릴 물감을 칠한 그의 대표적 작업인 <-↑g=↓9.8(㎨)>과 으로 시작해보자. 이 두 시리즈 모두는 캔버스에 붓으로 흰 색과 검은 색 물감을 칠한 일종의 단색회화다. 그러나 미술사의 전통적 단색회화와는 달리 여기서 색과 붓질은 캔버스의 형태를 드러내기 위한 부차적 조건에 가깝다. 또한 전체적인 캔버스의 형태는 가로와 세로 축 중 하나의 방향으로 여러 개 뼈대의 간격을 다르게 배치하여 만든 프레임에 캔버스를 팽팽하게 당겨 씌움으로 해서 드러난다. 일반적으로 캔버스 위에 붓으로 재현하는 회화의 형상이 캔버스의 변형된 형태 자체로 대체되며 그 형태는 ‘그리기’가 아닌 ‘만들기’로부터 비롯된 셈이다. 또한 작가는 캔버스 표면에 직접 선을 긋는 대신 자석의 밀고 당기는 힘을 이용해 캔버스 표면에서 일정 간격 떨어진 지점에 직선의 와이어가 놓이도록 함으로써 이른바 허공에 선을 그었다. 캔버스 위에 붓으로 색을 칠했으나 그 형상은 그리기가 아닌 만들기에 의해 생성되는 이 작업들은 그야말로 회화와 조각의 중간 형태라 할 수 있을 것이다.
영국 유학 이후 현재까지 근 5년간의 작업들을 통해서 작가는 이러한 형식상의 범위를 확장하고 다양하게 변주해내기 시작했다. 회화와 조각 사이 어딘가에 위치했으나 일차적으로 벽에 걸린다는 점에서 회화의 축에 가까웠던 작업들이 재료와 형태의 측면에서 그 범위를 크게 확장하면서 조각 혹은 설치의 축에 가까이 옮겨가기 시작한 것이다. 우선 재료 면에서는 카드보드, 포맥스, 각종 와이어, 플라스틱 호스, 아크릴 막대, 케이블 타이, 플라스틱 태그, 실리콘 캡 등 미술재료가 아닌 일상의 사소한 재료를 적극적으로 사용했다. 흥미로운 것은 이 재료들 각각을 작가가 전체적인 형태를 만드는 데 있어서 하나의 부분으로서 접합하고 연결하는 점, 선, 면의 기본 단위로 삼고 있다는 사실이다. 작가는 작품마다 적합한 재료를 선택해, 점을 모아 선과 면으로, 선을 쌓아 면으로, 잛은 선을 연결해 긴 선으로, 작은 면을 붙여 큰 면으로 만들어 가면서 하나의 작품을 완성해냈다. 각 단위를 연결해 작품의 뼈대를 완성하고 그 단위가 작아질수록 전체적인 형태는 곡선의 유기체 형상에 가까워지고 구 혹은 정육면체와 같은 입체형태로 바닥에 놓이는 등 다양한 변주가 가능해졌다.
이러한 형식상의 변화는 단순한 재료와 보여주는 방식의 변화뿐 아니라 작업에 임하는 태도에 있어서의 좌표 변화로부터 비롯되었다. 캔버스 프레임의 방향과 간격을 조정하는 보다 단순한 형태의 이전 작업들은 작가의 수학적 계산과 계획, 그에 따른 통제라는 ‘이성적’ 축에 의존하는 경향이 컸다. 물론 당시에도 작업의 전체적 인상과 기획은 작가적 직관에 따른 것이었으나, 재료와 형태의 범위가 확장된 최근 작업으로 오면서 작가는 자신의 손맛과 직관, 우연적 효과를 적극적으로 받아들이는 ‘비이성적’ 축에 보다 가까워졌다. 이번 전시의 라는 작품은 이러한 작업방식의 두 축을 잘 말해준다. ‘통제된 혼란(controlled chaos)’을 뜻하는 제목에서 짐작할 수 있듯, 이 작품은 전체적인 프레임의 형태는 미리 그려놓은 설계도를 따라 정확히 만들고 그 위를 캔버스로 가리는 대신, 투명하고 가느라단 플라스틱 호스로 전혀 계산되지 않은 손의 움직임에 따라 마구 엉켜가며 덮은 것이다. 그야말로 한 작품 안에 통제와 혼돈이 공존하고 있으며, 재료의 선택과 배치에 의해 폐쇄이자 노출의 외양을 띠게 된 셈이다. 이번 전시 대부분의 작품이 이러한 계획과 직관의 두 축 사이에서 움직인다. 모든 작품이 모눈종이에 그려진 철저한 사전 드로잉을 전제로 하지만 직접 만드는 과정에서의 변수와 그에 따른 변형을 적극적으로 수용하였다. 캔버스 작업들조차도 길이가 다른 나무 틀들을 연결해 비정형의 곡선 형태로 만들거나 작은 나무 조각들을 나선형으로 쌓아올려 새집 모양으로 만들고, 얇은 나무틀을 비틀어서 캔버스 중간을 가로지르게 하거나 둥근 공을 틀의 일부로 사용하는 등 회화의 인상으로부터 더욱 멀어졌다.
그러나 이러한 최근의 변화에도 불구하고 사실상 홍정욱의 작업은 대체로 단일한 색과 복잡하지 않은 형태로 인해 ‘단순하다’는 인상을 준다. 그러나 그 제작과정을 알고나면 그러한 인상이 실체와 얼마나 거리가 먼가에 탄복하게 된다. 모든 재료를 깎고 자르고 갈아서 붙이고 매달고 덮는 전 과정에서 공장에 맡기거나 기계를 사용하는 단 하나의 공정도 없다. 나무나 포맥스로 작품의 전체 뼈대를 만드는 것에서부터 수 백 개의 택(tag)이나 케이블 타이(cable tie)를 일일이 매달고, 수 십 개의 아크릴 막대와 철사의 단면을 원하는 각도로 갈아서 부착하는 것까지 모두 전적으로 작가의 손에 달려있다. 심지어 보관과 운송을 위한 나무상자까지 손수 만드는 작가의 모습은 레비스트로스가 말한 원시 부족사회의 브리콜뢰르(bricoleur)와 꼭 닮았다. 브리콜뢰르가 주변 사물들을 손에 닿는 대로 가져다가 원래의 쓰임과 상관없이 새로운 쓰임새의 물건을 만들어낸다면, 홍정욱은 완성될 작품의 드로잉을 가지고 실질적인 쓰임새와는 무관한 예술작품을 만들어낸다는 차이가 있을 뿐이다. 이처럼 복잡한 제작과정과 극도의 물질적 노동이 그와 상반된 간결한 최소한의 형태를 낳는다는 점에서 어쩌면 홍정욱의 작업은 예술의 무용성(useless)을 극대화하는 작업일지 모른다. 그러나 이러한 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 간극이 가져오는 역설이 작가의 가장 고유한 특징이기도 하다.
눈에 보이는 현상과 보이지 않는 실체 사이의 극명한 차이는 작업의 주제나 내용과도 맞닿아있다. 작가는 보이는 것 너머에 존재하는 보이지 않지만 쉽게 변하지 않는 보편적인 사실들을 작품을 통해 가시화하고자 한다. 예컨대 그가 오랜 시간 몰두해 온 ‘중력(gravity)’이라는 소재는 평소에 인지할 수 없지만 시간과 장소와 무관하게 지구상의 모든 존재에 작용하는 가장 기본적인 힘이다. 작가는 그러한 눈에 보이지 않는 힘을 자신의 작품을 통해 눈에 보이게 하고자 했던 것이다. 이번 전시의 <-by> 역시 중력을 이용한 작품이다. 캔버스 아래로 내려와 있는 와이어는 실제 사각형이 아니지만 캔버스에 매달렸을 때 중력에 의해 사격형처럼 보이도록 계산된 형태이며, 3개의 모서리만을 가지고 있지만 인간의 지각의 습성에 따라 사각형으로 인지된다. 한편 이 작품의 푸른색 캔버스는 사실상 단색이 아닌 48가지색의 무수한 점이 겹쳐져 푸른색으로 드러나는 것으로 외양과 실재의 차이를 보여준다. 많은 작품에서 작가는 이렇듯 외양 너머의 실재, 현상 너머의 실체에 관해 말하고자 한다.
특히 이번 전시에서 홍정욱은 점, 선, 면과 원형, 삼각형, 사각형이라는 형태를 중요하게 부각시키고 있다. 우리가 보는 대부분의 사물들이 기본적으로 원형, 삼각형, 사각형의 세 가지 형태 혹은 그 결합으로 이루어져 있고, 그러한 모든 형태는 결국 면으로 이루어지며 면은 선의 결합으로, 선은 점의 연장으로 형성된다는 보편적인 사실을 작업 전반에서 보여주고자 하는 것이다. 전시장의 중앙벽에 벽드로잉과 함께 설치된 작업 은 이러한 주제적 측면을 포함해 현시점의 작가의 특징을 가장 잘 대변해준다. 두 벽에 걸쳐 그려진 벽드로잉은 정확히는 사각형과 삼각형이 결합된 오각형이지만 사람들에게는 자연스럽게 삼각형으로 인식되며, 두 꼭지점에서 허공을 가로질러 건너편 벽의 한 꼭지점까지 연결된 두 가닥의 팽팽한 실은 그러한 오각형의 벽드로잉이 삼각형으로 보이는 한 지점에서 그와 겹쳐진다. 그 지점은 감상자의 시선 높이에 따라 달라진다. 한편 벽드로잉 안에는 짧은 나무조각을 나선형으로 쌓아 만든 새집 모양의 캔버스 작업 위에 직선의 와이어를 한바퀴 돌려만든 원형의 와이어가 긴장감 있게 올려져 있다. 그리고 정면에서 봤을 때 직선이지만 측면에서 봤을 때는 원형인 두 개의 와이어가 방향을 달리해 벽드로잉과 함께 설치되어 있다. 이 모든 것이 한 데 조화를 이루어 보는 사람의 시점과 관점에 따라 달라지는 상대적이고 유동적인 설치작업이 완성되는 것이다.
이렇듯 홍정욱의 작업에는 복잡하면서도 단순한 여러 쌍의 상이한 축들이 수직과 수평으로 교차된다. 그리고 각 작품은 그러한 두 축들 사이의 한 지점에 놓인다. 그것은 회화와 조각, 이성과 직관, 현상과 실체, 인공과 자연, 당기는 힘과 미는 힘, 노출과 폐쇄, 약한 재료와 강한 구조 등 흔히 공존하기 어려운 특징들 사이에서 균형을 이루며 다양한 양상으로 나타난다. , , <-by>, 등의 작품제목과 전시제목인 는 다름아닌 이러한 두 가지 축의 공존을 의미할 것이다. 모든 작품은 경우에 따라 하나의 축에 더 가까워지기도 하지만 반드시 또 다른 축의 존재를 전제하며 그 사이에는 묘한 긴장감이 존재한다. 그것은 일종의 '불안정한 균형'과도 같이 잠재적으로 이탈의 가능성을 담지하지만 동시에 그 이유로 강한 에너지를 발산한다. 진정한 균형은 고착된 안정이 아니라 그것의 변형가능성에서 오기 때문이다. 회화에서 출발한 그의 작업은 거듭되는 질문을 통해 회화로부터 한참 멀어졌다. 그러나 여전히 그 흔적을 담고 있으며 하나의 축으로서 회화로의 회귀의 가능성을 언제나 배태하고 있다. 상이한 축들 사이의 거리가 멀어질 수록 작업의 다양성이 담보될 뿐이다. 현재 작가의 과감하고 새로운 시도가 짜릿하고 앞으로 변화의 행로가 궁금해지는 이유다.